Книга выдающегося историка и теоретика искусства Эрнста Гомбриха “История искусства” является фундаментальной в области истории искусства. Она написана в жанре вводного экскурса в историю искусства – от древнейшей наскальной живописи до экспериментального искусства 1990-х годов.

история искусства
Эрнст Гомбрих

С этой книги начинают свое обучение искусствоведы-первокурсники: она предлагается в качестве базовой по предмету “Введение в изучение изобразительного искусства”.

Книга предназначена не только для студентов, мечтающих стать теоретиками и историками искусства, но и рассчитана на массового читателя и очень широкую аудиторию. Не случайно книга написана простым языком, без применения сложной терминологии, трудно-построенных предложений и переведена на многие языки.

Автор излагает мысли так четко и ясно, что читатель может построить причинно-следственные связи на протяжении всей истории искусства, понять, как одно вытекало из другого.

Цель моей статьи – не просто показать обзор книги, ее содержание, но и составить для вас “краткий конспект” книги, а точнее каждой главы. Для того, чтобы вы могли проследить, как развивалось искусство с древнейших времен до XXI века, чтобы вы увидели общую картину развития и изменений в искусстве. Это статья будет написана также в жанре экскурса в историю искусства.

Все дальнейшие подробности о периодах в искусстве последуют в следующих статьях, поскольку я буду заниматься изучением каждой эпохи очень подробно, и мне точно будет о чем написать. Чтобы следить за новостями, вы можете подписаться на рассылку данного сайта в конце статьи.

Содержание скрыть

Как была построена работа с книгой?

Сейчас я хочу рассказать о том, как была построена моя работа с книгой. Прочитывая каждую главу об определенном периоде в искусстве, я выделяла главное из нее: исторический контекст эпохи, характеристики искусства данного периода, отличие от предыдущего периода и выписывала примеры произведений изобразительного искусства (архитектуры, скульптуры, живописи, графики).

Мой конспект представляет не копирование текста, а его осмысление и еще более простое его изложение без потери основной мысли автора. Где-то я использую цитирование, для подтверждения моей работы с книгой. Я включила в эту статью фотографии только тех работ, что указаны в книге, чтобы передать наиболее точное представление о ней.

В моей статье не будет описания произведений искусства, которым уделяет автор почти половины книги. Именно из анализа вы учитесь понимать искусство, из сравнения между друг другом произведений разных эпох. Поэтому полное прочтение книги даст вам многое: книга станет вашим первым проводником в мир искусства. А пока я познакомлю вас с этой книгой. Давайте начнем 🙂

Содержание книги

В статье будет рассмотрена книга Гомбриха “История искусства” издания 2019 года (Издательство “Искусство-XXI век”). Книга включает в себя предисловие, введение, 28 глав по истории искусства, библиографию к главам, хронологические таблицы и карты, послесловие переводчика В.А.Крючковой. Уникальным разделом книги является рекомендованная литература по искусству, предложенная самим автором. В основном это книги на иностранных языках. Если есть возможность лучше читать их в оригинале, это будет лучше, поскольку “перевод – его обедненная замена”, по мысли автора. В конце книги содержится указатель имен, терминов, географических названий.

Книга богата проиллюстрирована цветными и, если это графика, черно-белыми иллюстрациями. Качество печати высокое, автор явно стремился передать с наибольшей точностью оригинал работы, но все же ни одна репродукция не сможет заменить подлинник, поэтому, несомненно, лучше рассматривать оригиналы работ, посещать музеи и галереи.

Глава 1. Загадочные истоки

Первобытное и “примитивное” искусства

Первобытные люди верили в магическую силу наскальных образов. Они создавали вещи для ритуалов: например, ритуальные маски или фигурки. Основным критерием первобытного искусства являлась способность исполнить роль, предназначенную магическим обрядом.

“Первобытные охотники считали, что если они сделают изображения своей добычи – да еще пронзят их копьями и каменными топорами, – реальные животные также подчинятся их власти”. (Гомбрих)

Глава 2. Искусство для вечности

Египет, Месопотамия

Египет

Египтяне верили в необходимость сохранения тела для продолжения жизни души в потустороннем мире. Для них важное значение имели пирамиды: они помогали божественному существу (фараону) в восхождении к богам после своей смерти. Искусство служило проводником души в иной мир.

В гробницы фараонов помещали их скульптурные портреты. Скульптор в понимании египетского человека – “тот, кто сохраняет жизнь”. Голова фараона в пирамиде заступала место царя и сохраняла жизнь его души в образе. Лица в египетском искусстве предстают отрешенными от бытия и погруженными в вечность.

Также и живопись в гробницах должна была сопровождать душу в иной мир. “Иероглифические надписи на египетских рисунках подробно сообщают о том, кем был фараон, каких титулов и почестей удостоился в своей жизни.” (Гомбрих)

К основным чертам египетского искусства относятся следующие признаки: геометрическая правильность, следование священным правилам, готовым формулам, определенным схемам построения.

Месопотамия

В искусстве народов Двуречья отсутствовала религия, побуждавшая их оберегать тело умершего и создавать человеческие подобия ради сохранения души. Поэтому искусство в долинах между реками Тигр и Ефрат было отличным от египетского.

Искусство шумеров прославляло одержанные царями победы и рассказывало о поверженных племенах, захваченных добычах. В Месопотамии все постройки строили из необожженого кирпича, поскольку на данной территории негде было добывать камень. Поэтому постройки древних шумеров не сохранились. До нас дошли только рельефы из гробниц и дворцов.

история искусства
Деталь рельефа из дворца царя Ашшурнасирпала в Нимруде “Ассирийское войско осаждает крепость” (Около 883-859 до н.э.)

Глава 3. Великое пробуждение

Греция. VII -V века до н.э.

Греки осваивали и имитировали египетские образцы, научились по ним делать фигуру стоящего человека. И главное греки перестали следовать старым предписаниям, доверились зрению, начали экспериментировать, ввели элементы ракурсных сокращений – художник впервые изобразил стопу с фронтальной точки зрения.

В художественном развитии Греции важнейшую роль сыграли Афины: здесь появляется дорический стиль на примере храма Парфенона, начинает складываться ордерная система. Греческое искусство сбалансированно – в нем проявляется приверженность правилам и свобода действий в очерченных границах. Лица в греческом искусстве не выражают сильных эмоций. Художники боятся исказить волнением гармонию лица, поэтому эмоции они передавали с помощью жестов и поз.

история искусства
Иктин Парфенон на афинском Акрополе (447-432 до н.э.)

Глава 4. Царство прекрасного

Греция. IV век до н.э. – I век н.э.

В Древней Греции в период с IV в. до н.э. по I в. н.э. формируется новое отношение к искусству: теперь греки оценивают произведения по их художественным качествам. Искусство становится более утонченным, изящным и легким. В архитектуре это раскрывается на примере Эрехтейона с появлением кариатид и ионическим ордером. Исчезают следы схематизма и былой застылости, появляется дыхание жизни. Произведения греческой скульптуры становятся совершеннейшими образцами человеческой красоты, своего рода эталоном.

К концу 4 века греки научились передавать душевные переживания и особенности лица портретируемого – голова А. Македонского. Империя, созданная Македонским (Эллинистический период) внесла большой вклад в историю искусства: теперь искусство стремится впечатлять, появляются динамические сюжеты и эффекты, возникает новый тип колонны – коринфская капитель и новый жанр – пейзаж.

“Античное искусство создало огромный арсенал изобразительных формул – фигур стоящих, сидящих, склонившихся и падающих”. (Гомбрих)

Глава 5. Покорители мира

Римляне, буддисты, иудеи и христиане. I – IV века

Рим становится мировой державой, где в первую очередь достигаются успехи в возведении гражданских инженерных сооружений. Особенности римской архитектуры – применение арок, искусное возведение сводов. Благодаря практике снятия посмертных масок римляне приобрели поразительное знание структуры головы и черт лица.

Христианство – господствующая религия Римской империи. Церковь узаконена императором Константином. В 4 веке появляются ранние изображения Христа. До этого создавались памятники христианского искусства без изображения Христа. Главная задача религиозного искусства – воскресить в памяти верующих события из Библии. Требование ясности и простоты преобладает над требованием верности натуре.

В период заката и падения Римской империи наступает упадок античного искусства, многие навыки утрачены. Приход христианства ознаменовал конец древнего мира.

Восточные религии – иудаизм и буддизм – также вступили на путь переложения священной истории на изобразительный язык в целях наставления верующих.

Глава 6. Расхождение путей

Рим и Византия. V-XIII века

В 5 веке считали, что «Живопись для неграмотных – то же самое, что Писание для умеющих читать». Сюжеты для живописных образов должны были быть представлены с возможной простотой и однозначностью. Необходимо было устранять все, что отвлекает от главногоСакрального смысла. Художники больше не сопоставляли выработанные формулы с реальностью.

история искусства
Мозаика базилики Сант Аполлинаре Нуово в Равенне “Чудесное насыщение пятью хлебами и двумя рыбами” (Около 520)

Появляются ожесточенные споры о назначении искусства, его месте в церковных сооружениях. Восточная часть Римской империи (со столицей в Византии) считала нужным наличие алтарных образов в церкви. Другая часть не приемлила живопись в церкви также, как и скульптуру, считая, что они воплощают образ идолов, которые осуждались Библией.

В 13 веке византийское искусство статично, но все же ближе к натуре. Церковная живопись перестала быть просто иллюстративным пояснением для неграмотных. Икона Богоматери – освящённый вековой традицией канонический тип, в котором не допускалось своеволие художника. Как древние египтяне, они должны были следовать правилам писания. Это стало препятствием для проявления индивидуальности и личности художника.

Глава 7. Взгляд на Восток.

Страны мусульманского мира. Китай. II – XI века

Религия ислама ограничивала искусства ещё более жесткими рамками, чем христианство. Образные подобия (изображение человека) были просто запрещены. Художники направили внимание на новые формы живописи – возникли орнаментальные плетения – «арабески».

история искусства
Львиный двор дворца Альгамбра в Гранаде, Испания (1377)

В Китае воздействие религии (буддизма) на искусство было ещё более глубоким. Впервые живописец был возведён на один уровень с вдохновенным поэтом. Китайское искусство поддерживало и стимулировало медитативные практики. Его цель состояла в том, чтобы предоставить зрительный материал для глубоких размышлений.

Глава 8. Искусство в правильном котле

Западная Европа. VI – XI века

Период «темных веков» (переселение народов, войн, переворотов) – отсутствие надежных ориентиров и пребывание во мраке неведения. Тевтонские племена готов, вандалов, викингов и других опустошали Европу грабежами и насилиями.

Искусство миниатюр приобретает орнаментальный характер, что сказывается на дальнейшем искусстве Европы. Рождается новая образная система Средневековьяхудожник теперь выражает чувства в своей работе, не стремится к натуроподобию и красоте. Главное для него – донести духовное содержание Священной истории.

Глава 9. Церковь воинствующая

XII век

1066 – Нормандское завоевание Англии. Норманны принесли с собой новый строительный стиль – романский. Этому стилю присуще суровая неприступность и округлые, полуциркульные арки. Сооружение в романском стиле воплощает идею Церкви Воинствующей – церкви, признанной бороться на земле с темными силами и ограждать людей от греха.

В культовых постройках все имело определенное значение, выражало определенную идею, связанную с церковными догматами. Расположение элементов в произведениях также продумано с точки зрения смыслового содержания предмета, его назначения.

Средневековые миниатюры отражают мистический смысл библейского сюжета посредством традиционных сакральных символов. У художника нет намерения передать изображение реалистично. Живопись уподобилась письменности в картинках.

Независимость от форм естественного мира дала возможность воплотить идею мира сверхъестественного.

Глава 10. Церковь торжествующая

XIII век

По всей Европе распространяется «интернациональный» – готический стиль, основной принцип которого – использование камня и стекла. Стиль появился во Франции во 2 половине 12 века. В готической архитектуре появляются стрельчатые арки, перекрестные нервюры, контрфорсы, аркбутаны и т.д. – элементы, в которых раскрываются красота и смелость конструктивных решений.

Новые соборы несли верующим видение иного мира: они, созерцая красоту готического интерьера, забывали о земных тяжестях и возносились к таинственным высотам потустороннего мира.” (Гомбрих)

В готических скульптурных ансамблях, представляемых на фасадах соборов, каждая фигура обладала самостоятельным значением, наделена особым характером и жизнью. Намерение готического художника – одушевить камень, представить эпизод священной истории с максимальной наглядностью и эмоциональной выразительностью.

Во 2 половине 13 века художники обратились к приемам натуроподобного изображения. Живопись, преодолевая византийскую застылость, обретает иллюзорную форму, пространственную глубину благодаря новатору Джотто. Библейские сюжеты теперь выглядят как реальные события, наблюдаемые в жизни. С творчества Джотто принято начинать новую главу. Сами итальянцы были убеждены, что с появлением этого великого мастера открылась новая эпоха в истории искусства.

история искусства
Фреска Падуя, Капелла дель Арена – Джотто ди Бондоне “Оплакивание Христа” (Около 1305)

Глава 11. Придворные и горожане

XIV век

Зодчих 14 века уже не удовлетворяли строгие величественные очертания готических соборов – теперь их влекла орнаментика, затейливые кружевные плетения. Начали строиться не только культовые сооружения, но и светские постройки – дворцы, колледжи, мосты, ворота, ратуши и т.д.

Изменения в скульптуре проявились в произведениях малых форм: их создатели стремились пробудить в человеке чувства любви и нежности. Они придавали фигурам легкие изгибы тела.

В живописи, одни художники разделили свою работу на две сферы – сакральную и светскую. Почтение перед библейским сюжетом не позволяли миниатюристам смешивать его с обыденной реальностью. Другие художники игнорировали реальные формы, пропорции, пространственную глубину, стремились вдохнуть новую жизнь в застывшие византийские каноны. Третьи художники, последовав за Джотто, достигали иллюзии реальности за счёт тщательной проработки деталей.

Это привело к изменению творческого процесса художников: теперь им необходимо было делать зарисовки с натуры и вводить их в картину. Художников влекло к доскональному изучению законов зрительного восприятия, человеческого тела.

Глава 12. Завоеватели реальности

Начало XV века

Начало периода Ренессанса (Возрождения). В сознании итальянцев назревала идея Возрождения – восстановления «величия Рима». Они считали готов виновными в падении Римской империи. Искусство средних веков они прозвали готическим, то есть варварским. Творения Джотто предстали перед ними как внезапное озарение.

история искусства
Филиппо Брунеллески Собор Санта Мария дель Фьоре во Флоренции (Около 1420-1436)

Воодушевлённость надеждой, верой в будущее проявилось со всей силой в богатой и цветущей Флоренции. Группа молодых художников во главе с Филиппо Брунеллески сознательно поставили цель обновления искусства. С именем Брунеллески связано величайшее открытие перспективы. Это во многом определило последующее искусство. Мазаччо смог освоить этот приём в живописи, достичь невиданного ранее объёма и правдивости. Так и скульптура перестала казаться парящей где-то в небосклонах, а стала твёрдо стоять на земле.

Стремление к Возрождению определило интерес художников к природе, наукам и древностям. Величайшие открытия в живописи связывают с Яном ван Эйком. Он изобрёл масляные краски и придал евангельским сюжетам «земной» облик. Он начал писать натурщиков с предельной точностью, также и пейзаж в искусстве приобрёл вид реальной действительности благодаря пристальному натурному наблюдению.

Глава 13. Традиция и новаторство: I

Середина и вторая половина XV в Италии

Искусство разделилось на множество «местных» школ в Италии, Фландии, Германии и других. Каждая имела свой собственный, особенный характер. Это связано с возвышением городов и объединением ремесленников в гильдии.

история искусства
Фреска Фра Анджелико “Благовещение” (Около 1440)

В живописи художники следовали также каждый своим путем. Один из них: соединение в картине средневековых принципов с ренессансными, облечение религиозного содержания в новые формы. Художники были зачарованы проблемами перспективы и пытались исследовать ее в своих произведениях. Другой путь: достижение эффекта разноплановости благодаря внимательной работе со светом, который словно лепил форму и был построен в геометрически выверенном пространстве.

С открытием перспективного изображения у художников возникли противоречия между реалистической точностью и требованием композиционной гармонии. Встала проблема: “Как применять перспективу, не потеряв гармонии в композиции?”. Приём, с помощью которого художники пытаются разрешить эту проблему: использование парных элементов или фигур в композиции. Стоит заметить, что не всегда это получалось. Потребовалось время, чтобы научиться применять новый закон – открытие перспективы.

“Начиная с эпохи Возрождения на первый план все больше выдвигается способность искусства насыщать жизнь красотой.” (Гомбрих)

Глава 14. Традиция и новаторство: II

XV век на Севере Европы

На севере Европы все ещё хранили верность готической старине. Обычай превалировал над новыми открытиями в искусстве. В искусстве Северного Возрождения устремленность к идеальной красоте и гармонии была не так сильна, как в Италии, поэтому здесь, на севере Европы, сложились предпосылки к созданию бытового жанра – это жанр изобразительного искусства, посвящённый изображению сцен повседневной, частной и общественной жизни.

Однако пребывание некоторых художников в Италии оказало влияние на живопись: появился объём вместо плоских фигур, словно вырезанных из бумаги; готические схемы были преобразованы в натуроподобные изображения.

В середине 15 века в Германии появилась техника печати гравюры на дереве (ксилография). Это позволило легко размножить картинки, но не давало точного рисунка, поэтому вскоре появились другие способы печати. Искусство печатной графики быстро распространилось по всей Европе. Гравюра ускорила обмен опытом между разными художественными школами, укрепила связи между ними.

Глава 15. Достигнутая реальность

Тоскана и Рим. Первая треть XVI века

Время триумфа итальянского искусства и один из величайших периодов в мировой истории. Художник выдвигается на новый уровень: теперь в понимании людей – это человек, обладающий уникальным, ценным даром. Таким образом, художники получили возможность сами диктовать условия своим заказчикам, создавать то, что они хотели. В выборе тем и сюжетов, архитектурных решений они обрели свободу.

история искусства
Микеланджело. Деталь росписи потолка Сикстинской капеллы “Сотворение Адама”

Гений времени Леонардо да Винчи изобрёл новый метод «сфумато» – размытые контуры и сгущающиеся тени, в них формы перетекают одна в другую. Другой гений Микеланджело целиком предался доскональному изучению строения человеческого тела и достиг совершенства в передаче мускульных усилий. Рафаэль, учившийся у обоих художников, научился совершенству композиции. Его Мадонны стали подлинной классикой и не случайно приняты за образец искусства.

Глава 16. Свет и цвет

Венеция и Северная Италия. Первая половина XVI века

Ренессансный стиль пришёл в венецианскую архитектуру праздничными зданиями. Цвет в венецианской живописи имеет особое значение, в картинах раскрывается все тонкости колорита. Художники достигли световоздушной среды на картине – природа и человек находятся в единстве. Теперь свет приобретает значение в композиции: уравновешивает живописные массы. А в композиции художник располагает фигуры ассиметрично – это смелое отступление от сложившегося типа алтарного образа поистине восхищает.

Глава 17. Распространение нового стиля

Германия и Нидерланды. Первая четверть XVI века

В Северном Возрождении присутствовала некоторая отсталость от Итальянского искусства. Некоторые художники отвергали ренессансные нормы, возвращались к средневековым принципам: зависимости величины фигуры от их смысловой значимости. Например, в картине Грюневальда “Распятие Христа” руки Иисуса больше, чем руки Марии, изображенной на переднем плане.

Другие художники, наоборот, хотели показать, что знакомы с достижениями итальянского искусства – с законами перспективы, светотени, а также с классической архитектурой, но их одолевали противоречия между старым и новым: в результате их картины распадались на две стилевые манеры – северную и итальянскую. Это мы можем заметить на картине Яна Госсарта “Евангелист Лука, пишущий Деву Марию”.

Художник, пошедший особым путем и стремившийся к индивидуальности – Дюрер. Он достиг мастерства в реалистичном изображении натуры, выработал особый идеал красоты. Это мы можем наблюдать на примере гравюры “Адам и Ева”.

В Северном Возрождении появляется все больше пейзажей. В искусстве стали ценить мастерство как таковое, и для художника открылась возможность писать картины, все содержание которых сводилось к любованию природными мотивами.

Также художник достигает правдоподобного изображения того, чего не видел никогда человеческий глаз. Это мы можем проследить на картинах Босха.

история искусства
Иероним Босх “Сад земных наслаждений” (Около 1510)

Глава 18. Кризис искусства

Европа. XVI век

В творчестве Микеланджело, Рафаэля, Тициана и Леонардо осуществились все устремления предшествующих поколений – так считали художники 16 века. Проблемы, связанные с рисунком, освоением перспективы, трудно-передаваемыми ракурсами были преодолены. Художникам казалось, что в искусстве все существенное уже сделано.

Одни уподобились подражательству великим мастерам, за что критики позднее расценили это как бесплодный период «маньеризм». Другие пытались создавать что-то новое. В целом эпоха была охвачена гонкой за экстраординарным с ревнивой оглядкой на славу предшественников.

На севере Европы само существование изобразительного искусства оказалось под угрозой. Кризис нахлынул с движением Реформации. Протестанты вознамерились изгнать живопись и скульптуру из церквей. Поэтому, лишившись церковных заказов, художники начали писать портреты, сцены из жизни.

Глава 19. Видение и ведение

Католическая Европа. Первая половина XVII века

Художники стремились преодолеть маньеризм разными способами. Одни полагали, что необходимо вернуть в живопись спокойную красоту рафаэлевских образов, а не противостоять им. Другие хотели только одного – правды в искусстве, «идеалы прекрасного» не вызывали у них восхищения – возникла натуралистическая живопись. Происходит развитие пейзажного жанра.

В архитектуре возникли первые появления стиля барокко на примере церкви Иль Джесу. “Как будто ничто в этом фасаде не свидетельствует о намеренном небрежении правилами в угоду капризной прихоти, тем не менее отношения между элементами противоречат не только античной, но и ренессансной традиции. Сдвоенные колонны и пилястры придают зданию особую пластическую насыщенность, торжественную парадность.” (Гомбрих)

Глава 20. Зеркало природы

Голландия. XVII век

Разделение Европы на католический и протестантский регионы сказалось в искусстве такой маленькой страны, как Нидерланды. Южные Нидерланды (ныне Бельгия) сохранили верность католицизму. В 17 веке на севере Нидерландов не могли принять стиль барокко, восторжествовавший в католической Европе. В протестанском обществе благополучно прижилась портретная живопись, свободная от религиозных запретов.

история искусства
Франс Халс “Групповой портрет офицеров стрелковой роты Святого Георгия” (1616)

Труднейшая задача с которой сталкивались художники – умещение множества портретов на одной картине. В портретах художник (в особенности Рембрандт) достигает полноты личности, передачи внутренней жизни человека.

Начавшаяся в прошлом столетии специализация по жанрам стала ещё более четкой и подробной. Появились художники-маринисты – специалисты по морскому пейзажу. Также художники начали работать в области бытового жанра, окрашенного юмором.

И появилась бессюжетная живопись (натюрморты). «Малые голландцы» прояснили истину: сюжет в живописи не имеет первостепенного значения.

Глава 21. Власть и слава I

Италия. XVII – XVIII века

Стиль барокко в Италии в середине 17 века предстал уже вполне сложившимся: колышущиеся, извивающиеся, закручивающиеся формы доминировали в объемах здания и его декоре. “Культовое искусство барокко было призвано довести религиозные чувства до исступления, приобщить зрителя к мистическим озарениям.” (Гомбрих) Художники достигали этого с помощью театральных эффектов и форсированной эмоциональности. “Трактовка драпировок подчинена новой задаче: теперь это бурное коловращение, сложно поднятое вихрем чувств.” (Гомбрих)

Итальянцы создали ведуты – живописные или гравированные изображения местностей.

история искусства
Франческо Гварди “Вид на церковь Сан Джордже Маджоре в Венеции” (Около 1775-1780)

Глава 22. Власть и слава II

Франция, Германия и Австрия. Вторая половина XVII – начало XVIII века

Католическая церковь поставила задачу искусствам – достигать силы эмоционального воздействия. Светская власть также, как и церковная, стремилась управлять сознанием людей. Короли и князья хотели предстать особыми существами, вознесенными над обычными смертными. Пышное прославление королевской власти стало частью политической программы.

В барочных интерьерах не было места сдержанности: он должен был воплощать райское блаженство, олицетворять фантазийный мир.

На смену барокко приходит стиль рококо. “Для рококо, в противоположность монументальному размаху барокко, характерны фривольная интимность сюжетов, хрупкое изящество декоративных форм и светлые лёгкие краски.” (Гомбрих)

история искусства
Антуан Ватто “Общество в парке” (Около 1719)

Глава 23. Век разума

Англия и Франция. XVIII век

Протестанская Европа не смогла адаптировать барокко по конфессиональным соображениям. В протестанских соборах 18 века нет барочных изгибов, в них доминируют прямые линии, устойчивость и незыблемая сила. Сдержанная основательность и рассудочная трезвость – качества, свойственные протестанскому сознанию, проявились в искусстве.

“Назначение протестанских интерьеров – способствовать внутренней собранности во время молитвы, а не воодушевлять верующих видениями небесного рая, как это было в интерьерах барокко.” (Гомбрих) Архитектура была без выставленной напоказ роскоши, соблюдала законы классического стиля, изложенным в трактате Андреа Палладио. Сам национальный характер англичан противился полетам фантазии и взвинченной эмоциональности барокко.

Единственный жанр, пользовавшийся спросом – портрет. Искусство боролось за торжество разума и не служило прославлению монархической власти. Художники обратились к жизни простых людей своего времени, отражая ее в жанровых сценках.

Глава 24. Разрыв традиции

Англия, Америка и Франция в конце XVIII – начале XIX века

После открытия Америки (1492г) назначение искусства оставалось прежним – создавать красоту для людей, желающих этим обладать. Но само понятие «красота» стало вызывать споры. Это умение мастерски воспроизводить натуру или способность идеализировать природу?

В 18 веке, после Французской революции (1789г) общие представления стали меняться. Это касается отношения художника к тому, что называется «стилем». Раньше стилем называли приемы и методы, с помощью которых создавалось искусство. А в 18 веке эти понятия были поставлены под сомнение. “Люди стали выбирать стиль своих домой так же, как люди выбирают обои.”

история искусства
Томас Джефферсон Монтичелло, штат Вирджиния, США (1796-1806)

Живопись перестала считаться обычным ремеслом, секреты которого передавались от мастера к ученику в мастерской. Старые методы пришли в упадок.

Академии начали устраивать выставки, где художникам теперь необходимо было добиваться успеха, чтобы найти своего покупателя. Художники теперь вольны были выбирать сами сюжеты для своих картин. Пейзаж перестал был второстепенным видом искусства. Отойти от устоявшихся традиций европейского искусства помогли осуществить американцы: ведь именно они испытывали меньшую привязанность к освящённым традициям Старого Света.

Французская революция оказалась мощным стимулом для развития интереса к истории и появлению в живописи героических тем. Люди чувствовали, что живут в героическое время и что события их собственной жизни не менее важны и достойны кисти художника.

Глава 25. Перманентная революция

XIX век

В архитектуре 19 века соблюдались следующие условности: церкви чаще всего строились в готическом стиле; театры – в театрализованном стиле барокко, дворцы и министерства выглядели парадно в формах архитектуры итальянского Ренессанса. Других новых архитектурных стилей не было, в целом архитектура затормозилась в развитии, но были все же редкие постройки исключительной бесподобности и красоты. Например, Парламент в Лондоне.

история искусства
Чарлз Бэрри и Огастес Пьюджин Здание Парламента в Лондоне (1835)

После французской революции слово «Искусство» приобрело другое значение. Производство дешевых товаров, маскировавшихся под Искусство, привели к ухудшению вкусов публики. Именно в 19 веке на смену ручной работе пришла машинная продукция, мастерскую заменила фабрика.

Художественным центром в 19 веке стал Париж. Пейзажная живопись стала одним из важнейших жанров. Художники выражают протесты против общепринятых условностей: они изображают сцены из крестьянской жизни, учатся только у природы.

Другие художники (Прерафаэлиты) считают необходимым вернуться к Веку Веры (эпохе до Рафаэля), когда художники помышляли не о земной славе, а о славе Господа. Но вернуть идеалы чистоты и невинности было уже недостижимо.

Еще один художник (Мане) совершил революцию в понимании света: он отказался от традиционного метода мягкой светотени в пользу сильных и резких контрастов. Возникла идея, что любая картина с изображением природы должна быть обязательно закончена «на месте». (импрессионизм) Это потребовало возникновения новых технических методов.

Ещё один удар для живописи – возникновение фотографии, которая взяла на себя функции изобразительного искусства.

Художники презирают внешнюю законченность, пренебрегают правильностью рисунка, уравновешенностью композиции – всеми традиционными методами изображения. Для них важна игра света и тени на формах, передача движения. Именно с появлением и развитием импрессионизма возникло всё последующее современное искусство.

Глава 26. В поисках новых форм

Конец XIX века

В среде художников зрело чувство разочарования в задачах и методах того искусства, которое нравилось публике. Строительство домов выродилось в пустую рутину: многоквартирные дома, фабрики и общественные здания.

история искусства
Виктор Орта Лестница отеля Тассель в Брюсселе (1893)

К концу 19 века архитекторы начали экспериментировать в формах – отказались от симметрии и стали использовать эффект гнутых линий в конструкциях из железа.

В художественной среде также зрело чувство беспокойства и неудовлетворённость достижениями живописи 19 века. В результате поисков новых декоративных и технических приемов в самом искусстве что-то умирало. И это художники пытались отчаянно вернуть.

Трое одиноких художников пытались преодолеть кризис: Сезанн стремился преодолеть беспорядок в искусстве, оставленный импрессионистами, достичь объёма и глубины, не обращая внимания на деформацию деталей и перспективу. Ван Гог использовал цвета и формы для передачи экзальтированных состояний своей души, Гоген стремился постичь дух аборигенов и обратился к примитивным формам в изображении. “Искусство Сезанна в конечном итоге привело к кубизму, искусство Ван Гога – к экспрессионизму, а от Гогена дорога ведёт к различным формам примитивизма.”

Появилась мода на декоративное: возникло искусство создания плаката, иллюстрации.

Глава 27. Экспериментальное искусство

Первая половина XX века

«Современное искусство», под которым понимается полностью порванная связь с традицией, возникло в ответ на вставшие перед ним проблемы. “Любое отклонение от традиции приветствовалось как новый «изм», указывающий дорогу в будущее.” (Гомбрих) Экспрессионизм, кубизм, футуризм, супрематизм, конструктивизм, дадаизм, сюрреилизм и т.д. В архитектуре произошёл переворот: самое главное в жилом помещении – функциональность, а не красота фасада. Разработана теория «органической архитектуры». Отвергнута вся система ордеров, накладной декор, пилястр и т.д.

“Искусство обрело в современности ранее неведомую функцию – служить экспериментальной лабораторией”, чтобы привлечь внимание. Художники показывают, как под влиянием сильных чувств преобразуется зримое окружение. Поэтому писать то, что «видишь» являлось для художников очень противоречивым высказыванием.

Экспрессивное искусство отторгало публику не столько самим фактом искажения натуры, сколько его следствием – отсутствием красоты. Художники хотели смотреть в глаза правде суровой реальности, изображать боль и страдания, какие они видели в жизни, создавать фальшивое искусство для них было кощунством.

Следующий вопрос, который встал перед художником: “А не лучше ли вообще отказаться от изображений, основываясь на самостоятельной выразительности форм?” Ответом на это стала беспредметная/абстрактная живопись Кандинского. Далее появились эксперименты с цветовыми отношениями, которые поглотили естественные формы. Это раскрывается на примере живописи фовистов (Анри Матисс).

Ещё одни художники придумали интеллектуальную игру для зрителей – построение мысленного образа, конструирование объемной формы из отдельных плоскостных проекций из картин в стиле кубизм. Также возникли эксперименты сновидений в живописи, отразившихся в стиле сюррелиализм.

история искусства
Сальвадор Дали “Явление лица и фруктовой вазы на пляже” (1938)

Искусство стало приобретать философскую подоплеку. Без нее зритель не мог понять, в чем же заключается смысл произведения. “Все головоломки равновесия, теоретически найденного метода, как бы ни были они увлекательны, оставляют после себя ощущение пустоты, которую так старались избежать художники…Но если ни тема, ни форма уже не играют особенной роли, то ради чего создается искусство?” (Гомбрих)

Глава 28. История без конца.

Эту главу я оставлю без конспекта. Автор признается, что сожалеет о добавлении этой главы, поскольку в нее вторглась “хроника модных событий”.


Историю художников можно рассказывать лишь по прошествии определенного времени, когда обнаружилось их влияние на последующие поколения и стала ясна ценность их собственного вклада в художественное развитие.

Э.Г. Гомбрих

Вот какой цитатой можно передать содержание последней главы: “Уже можно не пользоваться кистью, а прямо лить краски на холст, и если вы объявили себя неодадаистом, не стесняйтесь посылать любой мусор на выставку – организаторы не посмеют отказаться.” (Гомбрих)

В конце книги автор размышляет о кризисе искусства, в особенности живописи. Вкусы публики значительно ухудшились. “Критики утратили критическую смелость и превратились просто в хроникеров текущих событий”. (Гомбрих)

Перемены и новизна не являются главным в искусстве, а радикальный отказ от традиции не ведет к прогрессу – вот главные выводы из данной главы.

В заключение своей статьи я хочу выделить несколько причин, по которым вам стоит купить книгу Эрнста Гомбриха 🙂


Вот несколько моих причин приобрести книгу Гомбриха “История искусства”:

  1. Книга идеально подходит для первого знакомства с миром искусства, даст вам базовые представления обо всех эпохах в истории изобразительного искусства, сформирует логическую цепочку развития.
  2. Книга познакомит вас с основными мировыми шедеврами живописи, графики, скульптуры и архитектуры и с наиболее известными зарубежными художниками.
  3. Книга объяснит вам простыми словами, как складывалась эволюция искусства и почему она обернулась кризисом к 21 веку.
  4. В книге вы найдете список интересной, рекомендованной автором дополнительной литературы по искусству. Это поможет вам продолжить ваш путь познания искусства и не остановит на прочтении одной книги.
  5. К книге Гомбриха можно будет обращаться вновь и вновь. Она фундаментальна в области истории искусства. Просто полистать и посмотреть иллюстрации книги или перечесть какую-то главу, чтобы освежить знания в памяти – все это будет актуально спустя время. Книга вечна, как само искусство. Простота и лаконичность этой книги являются ее несомненными достоинствами.

Купить книгу вы сможете по ссылке здесь. Если и вы прочитали книгу Эрнста Гомбриха “История искусства”, поделитесь своими впечатлениями в комментариях. Была ли полезна вам книга? Чем? На какие мысли натолкнула? Появилось ли у вас желание глубже изучать искусство?