Актуальное искусство или “actual art”, как говорят сейчас современные культурологи и кураторы. Это искусство нашего времени. То есть искусство XXI века. Оно развивается под влиянием новейших современных технологий. Оно стремительно меняется, как и само наше поколение. Теперь многие художники берут в руку не кисть с красками и палитрой, а ручку от графического планшета или работают в программе 3D maх и печатают свои произведения на 3D-принтере. Полотна сменились на живые анимации и мультимедиаобъекты, а скульптуры – на инсталляции.

Я считаю, что не нужно это воспринимать как упадок развития общества. Нет. В актуальном искусстве есть много интересного и стоящего. В нем есть свободный, либеральный взгляд на мир. Актуальное искусство учит нас думать над произведениями, доходить до истины самому и искать в них смыслы.

Актуальное искусство и современное искусство – это одно и то же?

Нет. Термин «актуальное искусство» во многом схож, но не тождественен по смыслу термину «современное искусство».

Под актуальным искусством подразумевается новаторское современное искусство в плане идей или технических средств. Актуальное искусство ассоциируется с инновациями и радикальностью.

XX век – современное искусство, а с начала 1990-х годов и до текущего времени – актуальное.

Актуальное искусство не похоже ни на какое другое искусство. Оно концептуально.

Задача “actual art” – передать идею, концепцию данного произведения.

Это искусство не в привычном его понимании, а скорее жест.

Он может быть выполнен в любой форме, может быть сделан из совершенно непривычных для нас материалов, словом, из-чего угодно.

В этой статье я хочу рассмотреть несколько направлений актуального искусства, их представителей и наиболее яркие и интересные, с моей точки зрения, работы.

Интервенционизм

Под арт-интервенциями понимается некая форма перфоманса, которая состоит из публичного взаимодействия художника с ранее созданным произведением искусства.

Яркий пример интервенции – то, как Маурицио Каттелан приклеил скотчем банан к стене или как Риркрит Тиравания превратил художественную галерею в кухню и бесплатно предлагал посетителям тайское карри.

В начале 90-х интервенции подвергались критике и сравнивались с “вандализмом”.

Но в XXI веке институции начали поощрять такие перфомансы и сами приглашать для их создания художников: Кристиана Болтански, Даниэля Бюрена, Маурицио Каттелана, чтобы те “совершили интервенцию” в их помещениях или на экспозициях.

Еще одни из известнейших работ: “Бинго”и “Барочный офис” Гордона Матта-Кларка, “Злоупотребление силой не удивляет. Из серии майки с банальностями” Дженни Хольцер и работы Даниэля Бюрена.

Интернационализм

Интернациональное искусство – произведения с разных континентов, которые теперь могут выставляться с одинаковым успехом в одной галерее. Например, в нью-йоркском музее современного искусства теперь показывают работы не только американских художников, но и мексиканских (Франсис Алис), китайских (Ай Вейвей), индийских (Субодх Гупта) или турецких (Кутлуг Атаман).

Художники смешивают в своих работах интернациональные практики, материалы, образы и идеи. Некоторые из них уверенно в своих произведениях сочетают элементы разных культур.

Субодх Гупта

Subodh Gupta – индийский художник, работы которого коллекционирует Франсуа Пино. Его выставки проходят по всему миру.

Гупта известен своими инсталляциями из предметов кухонного быта: вилок, ложек и сковородок.

Искусство Гупты рассказывает о повседневной жизни и о самом авторе. О том, где он вырос и как его воспитывали.

О том, кто он такой, каким он видит общество и мир сегодня — изменения климата и изменения в политике. Все это соединяется в работах Субодха Гупты. 

Художник находит вдохновение в жизни и людях, которые его окружают. По его мнению, жизнь связана со многими психологическими особенностями, человеческими ценностями и чувствами. 

Я могу прогуливаться по улице и увидеть дерево, которое меня сильно впечатлит. А в последствии из этого может что-то получится.

Субодх Гупта

И действительно это так. Художник создал “Дерево народа”- это одна из известнейших его инсталляций. Она была создана художником для персональной выставки в Парижском монетном дворе. Во вселенной Гупты это металлическое дерево Бодхи, которое «цветет» столовыми приборами.

Произведение “Что есть в судне, чего нет в реке?” — ода тем людям, которые плыли через бурные воды, чтобы достичь безопасной земли; напоминание о том, что значит иметь дом.

Лодка наполнена совсем обычными вещами: мебель, горшки, велосипеды, телевизор, радио, постельное белье и прочее. Все эти вещи в лодке находятся там потому, что они были важной частью жизни одного человека, прежде чем он должен был все оставить позади и эмигрировать.

Для этой работы художник специально нашел рыбацкую лодку. Она была создана для Биеннале в прибрежном индийском городе Кочин.

Через искусство я говорю о жизни. О людях, которые меня окружают.

Субодх Гупта

Ай-Вейвей

Ai Weiwei – мастер эпатажных инсталляций, всемирно известный китайский художник, архитектор и критик. В 2013 году он подготовил для 55-ой Венецианской биеннале конструкцию “Bang”. Она выглядела как единый «организм», состоящий из 886 традиционных китайских табуретов, сделанных вручную.

Выбор табурета в качестве объекта для инсталляции был обусловлен китайской традицией, согласно которой, в каждой семье должен быть хотя бы один подобный табурет. Часто именно этот предмет мебели передавался по наследству из поколения в поколение.

Ай-Вейвей стал известным благодаря своей работе “Семена подсолнечника”, которая впервые была выставлена в галерее современного искусства Тейт (Лондон).

Это 8 миллионов фарфоровых частичек, изготовленных вручную на родине художника. Они повторяют форму семечек подсолнуха – важный символ в китайской культуре, как и фарфор.

Все эти семена были расположены на полу галереи и в первые дни зрители могли свободно ходить по ним, лежать на них, ломать или просто забирать с собой (через несколько дней оказалось, что это создает много фарфоровой пыли, опасной для здоровья человека и инсталляция была огорожена).

Архивизм

Это направление представляет художественные произведения, которые включают в себя использование архивных материалов. Чаще всего – это фотографии и документы, но иногда и подборки различных объектов.

В своем творчестве художники-архивисты задаются вопросами:

1. Как формируется наше знание о прошлом?
2. Почему некоторые факты остаются без внимания, тогда как другие оказывают влияние на нашу культуру?

Художники запечатлевают и документируют людей, пейзажи или предметы.

Джеффри Фармер

Джеффри Фармер (англ. Geoffrey Farmer) – канадский художник, который работает в жанре инсталляции и коллажа.

Одна из ключевых работ Джеффри Фармера – крупномасштабная инсталляция “The Last Two Million Years”. Это произведение вдохновлено найденной автором энциклопедией с тем же названием. В ней прослеживалась вся история Земли и человечества.

Джеффри вырезал из нее иллюстрации, которые после превратил в бумажные скульптуры и расставил на пенопластовых пьедесталах в самых причудливых комбинациях. То есть не соблюдая хронологическую последовательность событий.

Искусство инсталляции – это театральная декорация без сценической игры, придающей ей смысл.

Еще меня очень привлекли яркие, красочные, но с другой стороны простые и минималистичные работы автора. Они нарисованы цветными чернилами на бумаге.

Лорна Симпсон

Лорна Симпсон (англ. Lorna Simpson) – американская художница и фотограф. Родом из Нью-Йорка.

Она стала известна благодаря своим масштабным фотографическим и текстовым работам, которые противостоят и бросают вызов традиционным взглядам на культуру, историю и память. 

Лорна Симпсон выставлялась в крупнейших музеях современного искусства: в MMOMA, музее Гуггенхайма и музее американского искусства Уитни (Нью-Йорк), в Центре искусств Уокера (Миннеаполис, США), в лондонской галерее Тейт, в музеях Лос-Анджелеса и Чикаго и многих других.

Принимала участие в 56-ой Венецианской биеннале.

Ее творчество – необычные коллажи, сочетающие в себе историческую фотографию и цветной рисунок чернилами. Это видеоинсталляции, анимационные фильмы и пленочная видеосъемка.

Импульс

“Импульс” (Momentum, 2011) – это 7-минутное видео о танцовщиках, снятое в период их подготовки к действию. Лорна документирует процесс создания произведения искусства. В нем она корректирует освещение и устанавливает цветовой баланс.

Анимация

“Анимация”(Animations, 2016) – видео продолжительностью в 1 минуту.

Шахматы

“Шахматы” (Chess, 2013) – это трехканальная видеоинсталляция. В этом проекте Лорна показывает, как человек становится своим собственным двойником.

Он играет сам с собой в шахматы. Он хочет понять, как можно вырваться из самого себя, чтобы перехитрить собственный разум, и думает, кто победит в этой игре. Технически, это закончилось бы ничьей и устремилось во временную бесконечность. Но кто знает, как будет на самом деле? Автор предлагает задуматься зрителю и самому ответить на данный вопрос.

Неоформализм

Данное направление представляет собой абстрактную живопись, в которой зримо отражен процесс ее создания. Неоформализм охватывает множество подходов: от использования новых техник, например, гальванизации, до примитивистской грубости письма, которая придает картинам впечатление непрофессиональности или случайности.

Чем занимались художники-неоформалисты ?

• Люсьен Смит создал ряд холстов, забрызганных краской при помощи огнетушителя. Он назвал свои работы “Дождь”, которыми и привлек публику.
• Ден Колен размазывал по холсту жевательную резинку
• Крис Данкан обматывал свои работы клейкой лентой или нитками
• Уэйд Гайтон печатал на холсте картины при помощи струйного принтера.

Коллекционеры сразу оценили их произведения за формальную новизну, необычность изготовления и замысла.

Джейкоб Кассай

Jacob Kassay – американский художник, который работает в технике гальванизации. Он покрывает полотна тонким слоем серебра, тем самым получая мерцающие минималистические абстракции. Они похожи на размытые зеркала, которые отражают мир вокруг них. Изменения в освещении тонко и непрерывно меняют внешний вид его произведений в течении всего дня.

Я не хотел создавать сложный образ, я просто хотел, чтобы картина существовала как самостоятельная вещь.

Джейкоб Кассай

Критики отмечают влияние минималистской музыки на его творчество.

Пост – интернет – арт

Произведения пост – интернета могут существовать как в виртуальной, так и в физической реальности. В них часто используются цифровые процессы и материалы. Художники работают в графических программах, поэтому их произведения искусства имеют яркие и нереалистичные цвета и градиенты.

“Цифровые материалы” имеют самые неожиданные формы:

• Бумажная книга, состоящая из твитов на тему сочинения романа
• Большие заключенные в рамы фотографии картинок из онлайн-рекламы
• Картины, написанные в Photoshop, в которых комбинируются свои “мазки” со слоями найденных фотографий цифровых изображений

Арти Виркант

Artie Vierkant -американский художник, арт-критик, представитель и теоретик пост-интернет искусства, автор эссе «The Image Object Post Internet» (2010).

Автор создаёт работы из цветной плёнки, которые являются симбиозом скульптуры и фотографии.

Арти Виркант считает, что пост-интернетная реальность характеризуется вездесущим рассеянным авторством и растворением физического пространства в сетевой культуре. Художник обращает внимание на то, насколько современное общество подчинено рамкам авторского права и как это право превращается в ограничение для тех, кто им не обладает.

Виртуальная реальность или VR – ART

В 2010 году произошел невероятный скачок, совершенный технологиями виртуальной реальности. Он позволяет нам теперь, надев наушники, погрузиться в объемную цифровую среду, меняющую наши ориентиры.

Виртуальная реальность расширяет спектр художественных возможностей, позволяя художникам создавать иммерсивные 3D-среды. Подобные произведения искусства стирают границу между виртуальным миром и реальным.

Одна из первых таких выставок прошла осенью в 2017 году в галерее современного искусства Тейт. Она называлась “Modigliani VR”. Посетителям выдавали VR-устройства для полного погружения в искусство.

Последний художник, о котором я расскажу в этой статье – Шезад Дауд. Он тоже творил в виртуальной реальности.

Шезад Дауд

В 2016 году он создал видеоигру “Калимпонг”, в котором пользователь путешествует по окрестностям Калимпонга – города в Индии, играющего важную роль в исследованиях Гималаев. А также связанного с буддизмом и историями о Йети.

Пользователь удаляется в заснеженные предгорья, посещает загадочную пещеру и буддийский храм. Он взаимодействует с различными объектами, встречи с которыми определяют его дальнейшее развитие событий.

В 2018 состоялся открытие выставки художника в Художественном музее Рубина (Нью-Йорк, США). Видео- реальность была доступна для зрителей.

Возможно, в скором времени VR-искусство будет предполагать одновременное соучастие в произведении нескольких пользователей, способных влиять на его среду и происходящие в ней события.

В этой статье я рассказала о наиболее интересных и осмысленных работах художников, предварительно сделав тщательный отбор и отфильтровав все поверхностное и ничтожное. Актуальное искусство бывает разным. Есть и другая его сторона, с моей точки зрения, – деградирующая. Она показывает умственное разложение и крах прекрасного. Оно не воспринимается, лично для меня, как настоящее искусство, которое, я считаю, все-таки по своей сути обязано нести высокие и благородные цели, стремление к возвышенному и давать надежду в минуты тревоги и отчаяния.

Я говорю о том, что не всякие произведения “искусства”, которые мы можем наблюдать в мире, являются истинным, настоящим искусством. Необходимо уметь отбирать, отличать хорошее искусство от плохого. И наполнять себя – только стоящими вещами, а не чем попало. Так, вы сможете сформировать себя, свое личное видение. В вас будет развиваться индивидуальность.

Актуальное искусство, которое я представила в этой статье, видится мне вдохновляющим и наталкивающим на новые экспериментальные формы проявления собственного творчества.